The Best Art Books Of 2022

The Best Art Books Of 2022

From queer author Cheekanx 's first personal collection of essays to a timeless catalog and insight into the history of artists' studios, here are 20 books of fiction that have informed and expanded our worldview in 2022. are not fiction books, but must-reads for anyone involved in the arts.

***

Table of Contents

1. Neon Brown by Raquel Gutierrez (Coffee House Press)

Raquel Gutierrez has penned an amazing collection of essays in which she (also wears) accentuates (also wears) curly art-loving chicanx in a way that truly shines. He writes about the US-Mexico border without stereotypes, digs deep to understand the controversies surrounding Boyle Heights gentrification, and travels to Marfa to chart the changing face of a region that is slowly becoming part of the global arts ecosystem. His prose is fresh, personal, and a welcome remedy for any secular linear art full of declarative, market-driven nonsense. Gutierrez takes you on his journey and I'm very happy about it. And if you're curious about the title, there's a nice way to say it: "I'm a brown neon sign. A goalless aging gay hipster with attachment issues." Elsewhere in his essay “The Butcher in the Desert,” he asks, “What is a selfie for a digital immigrant? His multi-faceted thoughts appear on every page. Bonus Bonus: When you buy the audiobook, you'll enjoy listening to the author read in his own words – Khrag Vartanyan


2. Joe Brainard: Personality Art John Yau (Rizzoli)

It's the perfect time for Joe Brainard's vast and beautiful art collection, from his early works made as a teenager in his hometown of Tulsa, Oklahoma, to a full range of drawings, paintings and mixed media, including including collaborations and collages. seen. Poet and art historian John Yau's insightful text puts Brainard and his work in a somewhat "different" space: although Brainard is highly cultured and very avant-garde, he finds no place in the world of art. art in the broad sense. Instead, despite the treatment of popular culture and merchandise (comic book character Nancy seems like a "muse much loved"), her work is seen more as a gift with all the bounty, play and pleasure. summary. But this “gift” also rejects the status quo; they are the sneaky destroyers of capitalism, consumerism and heteronormativity. His thoughts reflect the masculinity of the art world of the time, while his self-portraits are more sober, self-reflective and almost melancholic. Her Dada-inspired buttocks anticipate or contradict conceptual and/or pop art. The variety of scale, medium and purpose adds refreshing variety and depth to the collection while remaining true to Brainard's approach to so-called "minor genres". But while his works are often small-scale, their impact and resonance are not. As Yau writes, “Brainard's irreverence was mingled with gentleness and warmth rather than superiority and malevolence. I think it's this unconventional synthesis of courage and empathy that has confused some people about Brainard's prowess." In a world that seems cold, austere and professional, we may need enough his work to fully appreciate it.Maximum – Marcela Duran


3 Capturing the Elite: How Global Powers Are Taking Control of Identity Politics (and More) by Olufmi O. Taiwo (Haymarket Books)

While Capturing the Elite by Olufami O. Taiwo is not simply a book of fiction, it is essential reading for anyone interested in the power of conservatism emerging within the artistic community as " elite", often under the guise of identity politics and without direct leadership. participation. obligation. to a larger group. they represent, and often without your knowledge or consent, "the management of resources and institutions that can serve many people for their own narrower interests and purposes". This is a relational problem, not an essentialization of people's identities. We see it again and again in the artistic community, when individual artists or scientists present themselves as representatives or representatives of a community they only superficially represent. -VN


4. Henry Taylor: Side B , edited by Bennett Simpson (DelMonico Books/Museum of Modern Art, Los Angeles)

The portraits of friends and public figures Henry Taylor, Miles Davis, Eldridge Cleaver, and Haile Selassie, along with their children and fellow artists, are insightful political paintings that defiantly articulate the dilemma of being black in America. This volume accompanies an ongoing retrospective at the Los Angeles Museum of Modern Art, showcasing not only a variety of paintings, but also a wide selection of rarely seen drawings, installations and sculptures. "No Chicken Please, We're Born Vegan Again" (2011-13) is a photo collage of Colonel Sanders carrying his famous bucket among black men and women in a parking lot. (The "Reserve Parking" sign means "Violators will be evacuated.") Standing on the red carpet, Sanders leads with photorealistic clarity; the faces of the other two figures are depicted in Taylor's characteristic blur, although also dressed in white. We are asked to consider the ubiquity of brand symbols in the context of the relative anonymity and indifference of black observers. Always wary of public controversy, entrenched stories, and the disconnect between public propaganda and personal experience, Taylor often embellishes his characters on purpose, delivering a poised and enduring narrative of resistance solely by inference. Among the collection of essays is the work of the very wise artist Charles Gaines. Acknowledging the warm family atmosphere that pervades many of Taylor's stories, Gaines argues that "painting portraits lets you be with other people, you want to get to know them, help them, be close to them." —Alberto Mobilio


5. Dorothea Tanning: "Don't the pictures speak for themselves?" Dorothea Tanning, foreword by Pamela S. Johnson, essay by Victoria Carruthers, Mary Ann Coase and Kate Conley (Kasmin Gallery)

For an artist who dies at 101, the distance between his first public appearance and his final work can be long. This catalog of last spring's exhibition at the Kasmin Gallery in New York presents Dorothea Tanning's recent paintings, some of which almost four decades after her first exhibition in 1943. The other side of her visual imagination. Instead of the familiar scene of an incredible home life, there is a dark, turbulent swirl of color where the human form appears only as a half-seen ghostly form. In fact, the seething, amorphous Maverick (1969) seems to owe more to Helen Frankenthaler's fertilization techniques than to any traditional surrealist's incisive depiction of the unconscious. This mess may be a dream come true. Of particular note is the accompanying essay entitled "Drawing", which is taken from the 1986 memoir Tanning's Birthday . In this almost minute-by-minute story of the creation of a painting, “the beleaguered canvas lay on the ground. The colors mix. Cobalt and chromium fill in the gaps with their knowledge of nuance,” Tanning emphasizes aesthetic choices and a purely physical process. The goal, he says, is to draw the viewer "into a web whose only way out is to walk the entirety of the frame until you find your way". Whether there is a real way out of this lush and intoxicating nature remains open. – tomorrow


6. Diane Arbus Papers by Diane Arbus, foreword by Lukas Zwirner and Jeffrey Frenkel, edited by Max Rosenberg (David Zwirner Books).

Diane Arbus, arguably the most famous American photographer of the 20th century, has always aroused many reactions. This massive nearly 500-page collection includes articles, essays and reviews from 1967 to 2017, as well as works by authors and critics such as Hilton Kramer, Robert Hughes, Susan Sontag, Hilton Els, Janet Malcolm, Lynn Tillman, Germaine Greer, Vince Aletti, Vicki Goldberg and Holland Carter. Reviews compiled from the pages of The New York Times , The New York Review of Books , The New Yorker , October , The Guardian , Time magazine, and various other publications attest to the influence and controversy associated with his photographs, especially the question of theirs. . relationships and possible exploitation of the subject. The publisher's decision to reproduce the original pages from these sources reinforced the reader's sense of temporal concreteness: Cramer's initial profile for The New York Times Magazine was accompanied by advertisements for "fake" grandfather clocks and coats. of fur. A more recent essay by Hilton Els is complemented by New York Review readers' complaints of her use of the word "monster" and Els' sarcastic one-sentence response: "If you say so." The documents provide the opportunity to experience a rapidly changing reputation that is always in question. – tomorrow


7. Two-Left Expert: Morris Hirshfield , Rediscovered by Richard Meyer (MIT Press)

The density of detail and careful brushwork that characterize Morris Hirshfield's grotesque depictions of women, landscapes and animals give these paintings an almost luminous power. The title " Master of Two Left Feet " returns the mockery of the 1943 art magazine as a badge of honor. Meyer intends to portray Hirshfield as more than just a naïve man whose brief mid-century fame was an accident; he spent several pages researching possible antecedents of Old Masters with young female faces in The Girl from the Beach (1937–1939). It is no coincidence that, in his portraits of women, the artist favored the dramatic character of the dresses over the realistic proportions of the bodies; like many Jewish immigrants, he had broken away from the decades-old model of the clothing trade. With chubby arms protruding from large torsos and cartoonish arms, these figures look more like a surreal painting by, say, Leonora Carrington than the usual medieval portraiture. Unsurprisingly, Hirshfield's contemporary critics poked fun at her odd but charming anatomy. The landscapes also have an alien but deeply enveloping quality. Close examination of The Waterfall (1940) reveals that its apparent symmetry is broken by subtle variations in texture and line. A similar seduction occurs when watching The Lion (1939): the precise and intricate weaves that make up the mane draw our attention with the wildly direct and profoundly human gaze of a beast. A master of deceptive tension and seduction, Hirshfield is always flirtatious and values ​​careful study. – tomorrow


8. William Eggleston: Chrome edited by Thomas Vesky, Winston Eggleston and William Eggleston III (Steidl Verlag)

Selected from 5,000 Kodachromes and Ektachromes shot between 1969 and 1974 in Memphis, the photographer's hometown, these three thick volumes offer a fascinating insight into the evolution of William Eggleston as he experimented with color and composition. Unsurprisingly, the set released in 2011 sold out quickly; This is an important collection of teacher training works. Here are vivid images of everyday scenes and events, the "democracy camera" in full force: a car in a soggy parking lot, cans of food in the fridge-freezer, a gumball dispenser in a corner, a box with broken letters, a bus stop. (seen from behind), hot curlers in the bottom of the toilet, a rusty stroller and an empty motor oil canister lying in the mud. Most eye-catching are Kodachrome's versions of his iconic photographs: two shots of an empty light bulb and its wires anticipating a red sky, a famous result of the ink transfer printing process that produces rich, saturated colors so easily recognizable. Even though hundreds of photos have been uploaded, the public's excitement never wanes. Eggleston is the rare artist who reinvents the visual world in almost every image. – tomorrow


9. Amoako Boafo , successor to Camille Weiner, contributions from Osei Bonsu, Mutombo Da Poet, Aji Monet, Rachel Kargl and Amoako Boafo (Project Roberts)

Amoako Boafo's plot looks at the viewer with a disconcerting candor, which gradually turns into an unexpected intimacy. The intensity of the relationship is enhanced by the fact that the artist applies paint to the face with his fingers. Bold, with lots of curves almost dancing across the cheeks, forehead and chin, capturing true evidence of Boafo's physical interaction with materials and people. The backgrounds and clothes were created with flat brushes contrasting with pale colors, allowing the objects to appear with stunning dynamics. Rachel Kargl's essay offers a clever psychological reading of this animated face, describing the subject's skin in The Leaf Monster's Arms (2021) as a "labyrinth of emotions". Born in Ghana's capital, Accra, in 1984, Boafo studied in Vienna, where, as he said in an interview with curator Paul Schimmel, "I had to fight there and came out of this fight. … Every picture I paint is like that! While Boafo says that the portrait of Egon Schiele greatly influenced his technique, it is clear that he also absorbed the Viennese painter's passion and timeless sense of craftsmanship. Boafoe endows this model with such an undeniable presence that one can easily imagine oneself in the room where the portrait takes shape. – tomorrow


10. Genocide Visualizations: Indigenous Interventions in Art, Archives, and Museums , edited by Yves Chavez and Nancy Marie Mitlo (University of Arizona Press)

The "G" word is often omitted in common conversations about Native American and First Nations art. However, how Indigenous artists deal with this tragic legacy is one of the most important and fundamental aspects of contemporary art in the United States and elsewhere. Native American art and First Nations artists have challenged, among other things, the way history is taught and understood. From extinction myths to contemporary plights and Indigenous sovereignty, contemporary artists engage all of these themes in engaging ways. This book showcases some of the most recent projects that continue to enrich (or alter when the opportunity arises) our contemporary art history in new and exciting ways. Although this book is written academically, it contains information that will help you better understand the problems that still exist in this area. -VN


11. " Mark Rothko " by Hiroshi Sugimoto, Christopher Rothko, Kate Rothko Prizel and Alexander Nemerov (Rizzoli)

Most of us are familiar with the brilliant cloud of color that defined Mark Rothko's career, but this comprehensive volume delves into the decades before this iconic image took shape. A generous example of figurative art from the mid-1920s – early 1940s reveals the artist's cityscapes and dark landscapes (Metro, 1935; Cinema Palace, 1934-35; Pier, 1934; Street Scene, 1934 ), demonstrating the bond that was strong with associates like Edward Hopper and George Tooker. In the mid-1940s, Rothko gradually turned to abstraction and, so to speak, imitated Paul Klee and Arshile Gorky, creating images akin to a "creaking engine" filling his canvases with angular activity. This strong allusion to surrealism, evident in Slow Whirl at the Sea's Edge (1944), hardly indicates the future direction of the artist. It is only after three or four years that we see these sharp shapes dissolve into the familiar light streaks. Rothko's compositional explorations didn't stop when he discovered his signature style: color, push-and-pull relationships, and the depth and texture of their application occupied him for decades. In an essay of self-reflection by like-minded Hiroshi Sugimoto, the photographer notes the serene luminosity of Rothko's painting: “Today the romanticism of life is gone. However, the light is the only thing that always descends on us in a continuous series. Unsullied by the touch of degenerate time , the light shines upon us today as it did in ancient times."


12. “ Impossible Spaces: Houston ” by Pete Gershon (Impracticable Spaces)

Artist-run places are born out of a need for space, both physical and psychological; they did not develop out of commercial or museum interest and are housed in places where artists have built and collaborated for over 70 years, but these spaces are rarely documented. "Unless you're a photographer or a pack rat, things taste or fail, and it's not a 20 10 story. It's a trap," says Pete Gershon, author of Hyperallergy in Night magazine. Непрактичные пространства ensa: хьюхьюон воскрешает оромные риски и триуы.. Одна организация, Consolidated Arts Warehouse, во главе которой стоят такие известные группы, как Dead Kennedys и Natives, не входящие в число самых известных автомобилей; в другом главном художнике Джек и Стефани Стеннер взял свои сбережения и 35 000 долларов, взаймы у Стефани, на успешном развитии студийных и выставочных площадей, проходивших в Purse Building, в которых не было электричества и водопровода. Небвеноration и фиксирует сособностdent. В нем таже предагаются Возрожжёные паны д креативщиков по устранению пробелов before В В В. — Кили Бойд


13. Красный список: MI5 and британские интеллектуалы в 20-м веке Дэвида Кота (оборотнаря сталы)

Residence Domicile Эта тонкая антиорганизационная тактика со стороны одной из государственных медиа-компаний глубоко укоренившихся отношений между британским имуществом и господствующей культурой. В настоящее время более чем когда-либо « Красный список » Дэвид Кота является задержанным художником, который поставили под сомнение повествование о временной холодной войне и попали под цель МИ5. С помощью недавно рассекреченных архивов Котелок составляет список художников, скульпторов, актеров, писателей и кинематографистов, которые заработали файлы для предполагаемой связи с религиозными организациями — даже когда такие связи не встречаются. Менее престижные художники, такие как Клэр Шеридан, который когда-то отбивался от назойливого Муссолини, властвовал вместе с дизайнерами-революционерами, такими как Поль Робсон, и авторами бестселлеров, такими как Джордж Оруэлл, в последний раз позже стал шпионить за активистами. От пропаганды MI5, объединения судебного заседания с коммунистами, до цензуры и расизма Би-би-си в отношении чернокожих организаторов, исторический анализ . — БА


14. Студия художника: история культуры Джеймса Холла (Thames & Hudson)

В художественных студиях есть что-то особенное, чего никто из нас не может обътиьсн. В этой книге Джеймс Холл глубоко погружается в то, что студия предназначалась для средневековых иллюминаторов, а также их роль в периодах возрождения и барокко и даже их медленного преобразования в фабричных пространствах. Это хорошее чтение с большой скоростью развития иллюстраций, и хотя я хотел бы, чтобы основное внимание уделялось не только западному искусству, это долгожданное дополнение к культурной истории, которые рассказывают истории искусства, расширяющиеся и интересные способы. — ВН


15. "Утраченная архитектура Джин Вельц " Питера Уайета (DoppelHouse Press)

Нет никаких сомнений в том, что мы переживаем прискорбно уродливые времена. Гиперкоммодификация модернизма и обилие дрянной роскоши атаковали против любого утило Д покой скоро на самом деле дизайн должен отражать эстетические и политические. В «Утерянной архитектуре Джин Вельц » британский режиссер Питер Уайет собирает воедино жизнь и творчество Вельца, охрана с его юности в Красной Венеции, бегство от фашизма и выход на пенсию в Йоханнесбурге. Ранее не публиковавшиеся архивные фотографии. Его проза, часто рассказываемая от первого лица, передает волнение и разочарование по поводу такого неуловимого персонажа, связывая Вельца с домом, созданным для основателя Дада Тристана Цара, и разрушенным нацистами надгробием дочери Карла Маркса. Уайет утерждает, что вьец пряно бросил вызов «яти заболеваниям архитекры» ле корбюзье, что, возожно, бъябъяш Таким образом, это самое интересное в мире, что представляет интерес для политики и архитектуры, это стремление к кям. — БА


16. образы класса: оеризм, автономия и изобразительное искусство (1962–1988) яооа галмба)

Иия сова бысро созае киз, поб чен пыы гры рре рям ряы рыы ра Сотни редких фотографий и обострения заболевания из-за обострения оперизма и автономии заболевания костного мозга, что социализм с итальянскими чертами был жив и здоров в послевоенной задней части. Выходя за рамки представлений Грамши о «культурной гегемонии», такие коллективы, как Archizoom и Gruppo Femminista Immagine, охватывают риторические конструкции, стирающие различия между изображениями и текстом. Большая часть агитпропа, представленного здесь, была широко распространена по городам и провинциям, настолько, что итальянское государство расправилось со всеми, кто занимается искусством против шерсти. Галимберти добросовестно ткет гобелен, визуализируя два движения, от их нарушений карикатур к проектам социального поведения, а также критикуя ограничивающих их европоцентризм. Несмотря на все это, это название затрагивает то, как художники искусно связывают науку и технику с классовым сознанием, проводя широкий спектр к организационным нагрузкам деятелей искусства сегодня. — БА


17. 100 cards

“Время – ээо главная составляющая, которая Возбжаает и превращает преmuni В пас–. в начале « 100 сокровищ / 100 эмоций », обзор 100 из первых 18 000 предметов в коллекции Университета Маккуориве в нактуори в в в Коллекция защиты пяти тысячелетий и включает предметы с пяти континентов; Персектива поднять 100 з такого неболшошо пла сама по себе является пеающющ и Вечатляющющэээсерinéveved .т.. Но книга делает еще один шаг истории, соединяя объекты с эмоциональной реальностью, снабжая каждый одностраничный объект профилем из коллекции эмоциональных переживаний — например, «забота», представленная греко -римским ручным картоном (332 г. до н. э.). –396g. н.э.), рзновидность лнняASOй подговки Вокру ммиeve Или «предвкушение», сопровождающее хронику керамических «бутылок с крышкой» (1830–70-е годы), часть антиподовой истории изготовления бутылок в Келливилле, Новый Южный Уэльс. Автор не только контекстуализирует объект во время его создания, но и подчеркивает предвкушение, с которым пользователь мог подходить к его содержимому после долгого рабочего дня. Это размышление над большой коллекцией одновременно сфокусировано и обширно, напоминая нам, что человеческое общество и все его производство в основном служат человеческим эмоциям. Книга охватывает даже самые сложные эмоции, возникающие в музее: провенанс и украденные аровенанс и украденные аровенанс и украденные Объект 28 — «интрига» — представляет собой тимиатерион четвертого века из южной Италии, который, как установлено, был награбленным предметом, отмытым Джакомо Медичи, центральной фигурой в торговле незаконными древностями из Италии. В февеле 2020 года мей верн тимитера приелеллеллелелеdеdа иа леdеdеdеdеdеdеdелелелелелелелелелелелелелелелелелелеdеdеdеdеdеdеdеdеdа иа а ио фо фо фо фо фо фо фо фо фо фо фо-иеdелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелелеdа иа лллела фа еde. Он выделяется как объект, который учит чему-то интриги, да, но также и честности. — Сара Роуз Шарп


18. Lastgaspism : Art and Survival in the Age of Pandemic Ванга (Soberscove Press)

Опубликованная в 2022 году на фоне продолжающейся пандемии COVID-19 и через призму искусства и активизма Lastgaspism «рассматривает пандемию как событие, которое переосмыслило и послужило катализатором множества других кризисов и многочисленных решений». Каждый участник, будь то интервью, описание проекта, визуальное эссе, дыхательные упражнения или другие предложения, пытается разобрать вред, причиненный структурным и системным расизмом, и наше участие в нем. В «Разрушении, чтобы построить: ответ на культурную чрезвычайную ситуацию» художница Эрин Джениа (Сиссетон-Вапетон Дакота) показывает, что ответы на наши текущие кризисы заключаются в возмещении ущерба и восстановлении, а не в нынешних попытках, основанных на деструктивных, эксплуататорских культурных практиках; Интервью Энтони Ромеро с Design Studio for Social Intervention подчеркивает работу организации по разоружению социальных проблем; а в книге «Последствия» ученого Кимберли Бэйн рассказывается о восстании в Фергюсоне, штат Миссури, и о том, что последовало, заявляя, что «всему этому не будет конца, пока мы не покончим со всем этим». Эти и другие статьи посвящены феминизму, основным работникам, взаимопомощи, истории, смерти и горю как меркам времени и, прежде всего, дыханию в «личных выражениях и культурных практиках», как считает Дэн С. Ван. Идеи, представленные в книге Дэниела Такера «Забота в кризисе», составляют ядро ​​этой коллекции, называя заботу необходимым условием для понимания и создания того, что должно произойти сейчас и в будущем. — Нэнси Застудил


19. «Католицизм: визуальная культура католицизма » Сюзанны Иванич (Thames & Hudson)

Может быть трудно расшифровать христианские символы старых мастеров — чего давно не хватало, так это краткого букваря с хорошим дизайном. Книга ученого Сюзанны Иванич заполняет этот пробел. В то время как более старые тексты, такие как « Знаки и символы в христианском искусстве » Джорджа Фергюсона (1954), организованы как словари, « Католика » представляет серию сложных диаграмм произведений искусства, используя передовой дизайн книги. Читатели узнают, как расшифровывать различные эпизоды из жизни Христа, такие как Брак в Кане или Посещение, которые формируют повествовательный шаблон для большей части раннего современного искусства. Получите внутреннюю информацию о завуалированных символах в известных произведениях, включая «Тайную вечерю» Леонардо (1495–1498 гг.), «Страшный суд» Ганса Мемлинга (1467–1473 гг.) или «Алтарь Мерод» Робера Кампена (1427–32 гг.). . Научитесь различать символы Девы Марии и Марии Магдалины. Акцент на диаграммах на протяжении всего текста позволяет читателям быстро усвоить этот сложный и пугающий материал. Короткие сопровождающие главы представляют собой основательное введение в различные способы, которыми христианские и особенно католические идеи переплетаются с большей частью европейской истории искусства и материальной культуры. В то время как предыдущие публикации на эту тему могли ошеломить читателей слишком большим количеством деталей, Иванич делает их краткими и лаконичными. Изучив подробный, но доступный анализ этой книги, читатели смогут узнавать святых и эпизоды из Библии, не полагаясь на настенный текст. — Дэниел Ларкин


20. Сокровища Украины: национальное культурное наследие , предисловие Андрея Куркова (Thames & Hudson)

Украина была в новостях весь год, поэтому я предлагаю вам немного освежить в памяти вашу историю украинского искусства (и отвлечься от русскоцентричной истории искусства, которой нас всех учили в прошлом веке). От предыстории до Литовского княжества и обширного религиозного искусства Украины, этот хорошо оформленный том (за исключением причудливо расположенных номеров страниц) продолжает свой рассказ через модернизм и современное искусство. В целом, вы можете быть удивлены широтой искусства, составляющего украинские традиции, и в процессе узнать, что украинское искусство в 1920-х годах обрело собственную опору благодаря спонсируемой Советским Союзом программе «коренизации». Хорошее чтение.— Х.В.

Последний

10 лучших фильмов 2022 года

Нет, Нептун Фрост и портрет Нэн Голдин Лоры Пойтрас входят в наш список лучших фильмов, снятых в этом году.

Частные страсти Генри Фюзели

«Фузели и современная женщина» чрезвычайно приятны для технических возможностей художника, преследующего свои личные интересы в невероятно своеобразном стиле.

Снятый в Цюрихе, Женеве, Базеле и Лозанне, новый фильм художника и поэта задает вопрос: чьи мечты мы пытаемся воплотить в жизнь?

Сотрудничество в работе Марселя преследует двусмысленность и беспорядок, чтобы дестабилизировать иерархию расы и класса.

В этом году в новостях искусства было больше, чем Ван Гог в томатном супе — хотя это тоже попало в наш список.

Эта новая программа по истории искусства, представленная в партнерстве с Crystal Bridges, включает в себя полное освобождение от платы за обучение, щедрое финансирование и тематический учебный план.

В этом году мы расширяем список памятных шоу со всего мира, которые увидели и полюбили наши редакторы и участники.

Саркофаг, найденный под плитами пола парижской церкви, принадлежал Антуану де ла Порту, который внес финансовые пожертвования для хора собора.

Эта первоклассная программа для выпускников с высокой степенью отбора поддерживает своих студентов, поскольку они занимаются разнообразной творческой практикой.

Обширно иллюстрированная книга «Норман Роквелл: рисунки, 1911–1976» — первая книга, посвященная плодотворной, но в основном личной практике рисования художника.

Новая книга Сюзанны Иванич «Католицизм: Визуальная культура католицизма» является важным учебником о том, как католицизм пересекается с историей искусства.

В январе этого года в Сингапуре начинается сезон изобразительного искусства, который длится 10 дней и включает более 130 художественных мероприятий, включая ярмарки, беседы, туры и многое другое.

Кристи Чан «Кто придет, чтобы спасти тебя?» проясняет постоянную природу американского фанатизма.

Далия Эльсаед и Эндрю Хайк Демирджян представляют «Мустакбааааполис» как город, свободный от «добычи, нехватки времени и эксплуатации».

Представляем The New York Times 10 лучших книг 2022 года

5 thoughts on “The Best Art Books Of 2022

Leave a Comment

error: Content is protected !!